華萊士·威利斯：他是“陰影女王”，也是品位大師

一個直觀的全景式構圖和人物開燈的動作便延伸了橫向空間的深度，甚至暗示了男主人與小男友迥異的個性。

（《曼哈顿》）

華萊士·威利斯憑藉著四部經典作品上榜，成為經典作品被提到最少的攝影師之一。

華萊士·威利斯

《教父2》裡，講訴維託年長故事情節時為的是作出懷舊層次感，威利斯選擇在木星低垂髮出藍色光芒的午夜前攝製，為鏡頭帶來一種溫暖的琥珀色。

沒有一個片子是因為聽覺角度做到了就能贏了的。藝術指導、服飾、攝影機內部結構、燈光配合、濾鏡都要恰當，才會有一個攝影機的恰當。

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可就是這種二號負面影響荷里活影片攝影美學的人物，常年被大學忽略，個人終其一生未領到奧斯卡金像獎最佳攝影獎。

此種陰影氣氛的形成是基於威利斯採用了高影調、大光比的攝影方式。這是一個很無法把控的技術活。即使影調的黑並非純粹的黑罷了，還要黑的有層次。一個鏡頭裡包羅了明暗層次、虛實對比和美感的色相明暗關係等。

（《教父2》裡Magic Hour）

早年的經典荷里活時期，製片廠覺得觀眾們是上看明星的，明星的臉是賣錢的確保，用亮光照亮，用柔光特別強調是基本配置。

華萊士·威利斯說，他的工作並非重塑現實生活，而是呈現出現實生活。

威利斯好的表演藝術直覺，令伍迪·布萊恩也讚揚萬分。

華萊士是一個極簡主義者。

接著，他的圖像變成衝擊波，侵蝕著影片法則。

而且，當他在《曼哈顿》用黑白拍出芝加哥的繁華與孤獨，迷人與典雅時，你就會知道是沒有一個詞能直觀歸納威利斯的攝影藝術風格的。

看不出反倒比看見了更讓觀眾們心潮澎湃。安德魯·艾伯特稱讚此種唯美似“自己在群星間、星星上漫步”。

除了受西歐新影片的負面影響實景拍攝、解放攝像機外，一大批從西岸芝加哥影片學院大學畢業的小學生投身於荷里活，給老牌製片廠帶來非常大沖擊。

（母親維託的喪禮上，陰影漸浮安德魯的臉）

他是對“聽覺相對性”感興趣，從暗到明的過程。他不能只給你看陰影裡壓迫人心的勾當，同時他會讓你體會柯里昂家族辦婚宴的明媚明亮。

拍《安妮·霍尔》時，他教伍迪·布萊恩女演員在攝影機外的超好效果。人物出入鏡頭，聲音一直逗留在鏡頭內，反倒營造出一種唯美的氣氛。威利斯只不過是把伍迪·布萊恩很多十分做作的想法，用攝影機做了適合的表達。

一場天文館戲裡，簡潔的黑白，乾淨的佈景將三個人之間的曖昧情愫傳達出來，尤其地唯美。

威利斯將曝出嚴重不足下降為表演藝術，也被同行冠上了“陰影女王”的榮譽稱號。

如此對一個人物的必然選擇被推展至整個電影的人物攝影思路當中。但凡精細看完電影便會察覺，維託的女兒安德魯從開始光度較低的兩張量，到常陷於半面陰影乃至最後成為新教父後整個人處在陰影的思路，外化了配角心路的轉變歷程。電影中的其它配角同樣如此。

假如不深諳其中門道，選用低照度攝影和曝出嚴重不足的膠捲攝製，是死路一條。

攝影簡潔，細節細膩並有著版畫般的層次感，和他極強的表演藝術直覺，繼延續了象徵主義美學又對其作出了超越。

科波拉的《教父》和伍迪·布萊恩的《曼哈顿》有什么共通處？

而右圖則是電影史上最唯美的攝影機之一。威利斯和伍迪·布萊恩全片場在紐約市橋等到中午五點鐘，等到路燈漸熄，天光將至的時刻，拍出了黑白圖像中被忽視的典雅。

新荷里活怎么個新法？

之後，那個“Magic Hour”氾濫成災。但凡故事情節出現在第二次世界大戰前，相近的影調無所不在。但威利斯本人是不堅信有什么方程組、式子能套用的。

但威利斯本人不這么指出。

他的很多攝製形式被前輩攝影師視作實例，常被延用。

威利斯是著重整體性的攝影師，他用攝影機原畫。那邊多幾點星光，那兒少兩個灰度，他所做的事情和巴洛克時期的藝術家沒什么兩樣。

（華萊士·威利斯入圍排行榜的四部經典作品）